Frank Zappa juega con nuestras zonas erógenas

Quiero compartir con ustedes transportistas un tema del maestro Zappa. G-Spot Tornado originalmente aparece en el disco Jazz From Hell del año 1986. Ese disco es tocado por Zappa en el synclavier casi en su totalidad. Se puso a explorar las nuevas posibilidades que le brindaba ese novedoso aparato musical, donde él podía plasmar la música justo como la imagino sin tener que decirle como se debe tocar tal pieza a un músico. Zappa afirmaba que este tema era imposible que un ser humano lo pudiera interpretar, por lo que lo compuso especialmente para el synclavier. Sin embargo cuando conoció al Ensemble Modern lo dejaron perplejo ya que podían tocar la pieza sin errores y de forma magistral.

Aquí el video:


El título hace alusión al punto G, zona erógena de las mujeres. En este caso Zappa logró tocar el punto G de nuestros oídos con esta pieza. Imposible no tener un orgasmo cuando se escucha esta canción.

Soft Mountain - Soft Mountain

Soft Mountain es un supergrupo configurado por los ex-Soft Machine Hugh Hopper en el bajo y Elton Dean en el sax y los maestros de la vanguardia japonesa Hoppy Kamiyama en los teclados y Yoshida Tatsuya en la batería. Oeste se une al Este para una buena dosis de free jazz salvaje y bizarro.

El disco (2007) se divide en dos partes de casi media hora que captura los mejores momentos de un jam entre estos músicos donde sacan todas sus armas para regalarnos una escucha arriesgada pero entretenida. Un álbum imperdible solo por los músicos que en el participan.

Aquí la alineación:
- Elton Dean / saxophone
- Hugh Hopper / bass
- Yoshida Tatsuya / drums
- Hoppy Kamiyama / keyboards

Y un saludo a donde sea del más allá para Elton Dean y Hugh Hopper, músicos que me han regalado muchas sonrisas de satisfacción últimamente con su genial obra.

Subamos la montaña...

The Keith Tippett Group - Dedicated To You, But You Weren't Listening

Keith Tippett es un pianista de Jazz que a finales de los 60 y principios de los 70 se codeó con lo más selecto de la escena Avant -Garde y experimental de esos años. Para este disco (1971) trabaja con su habitual ensamble de vientos (Nick Evans, Marc Charig, Elton Dean) más la colaboración de Robert Wyatt y Phil Howard en la bataca, entre otros músicos.

Un excelente disco que cae en los terrenos del Avant - Jazz. Buenos diálogos entre el ensamble y los solistas,  y hablando de solos, este disco tiene uno de los mejores de Sax que haya escuchado en el tema Green And Orange Night. Elton Dean hace que nos extasiemos en general durante toda la duración del álbum y nos deleitemos con su genialidad y como alguien bien apunto:"That´s not Sax, that's Sex". El álbum tiene un buen balance entre temas estructurados y los que caen en improvisaciones, pero nunca cayendo en terrenos difíciles de digerir a pesar de la naturaleza experimental de los músicos. Aparte tiene una interesante portada.

Aquí la alineación:
Keith Tippet / Piano, keyboards
Nick Evans / trombone
Mark Charig / Cornet
Elton Dean / sax
Jeff Clyne, Roy Babbington / bass
Robert Wyatt, Phil Howard / drums

Transportistas, chequen este testimonio de la genialidad de estos músicos. Un disco bastante recomendable.

Dedicado para tí.

Afenginn - Akrobakkus (2006)

De una manera simple describen el sonido de esta banda como: avant-folk-jazz-rock. Es un sonido verdaderamente grato. Los paisajes de todo tipo de emociones, pintados por el más exquisito eclecticismo de folclor danés, nos lleva a un estado de deleite auditivo empalmable en cualquier situación y cualquier momento. Un gran disco.

Akrobakkus

Alberto Marcoeur - Alberto Marcoeur (1974)

Primer album de este multi- instrumentistas, quien teje texturas surrealistas con excesiva destreza. Hay en esta placa genialidad que se desbordará de tus orejas instaurando un sueño fraccionado, ajeno fragmento a fragmento, sostenido por la gran dilución, impotente para ser real, demente por ello, náufraga en el universo coloreado por crayones que apenas un día caluroso derrite, derrite los colores, y nos inundamos entre pluricoloridad variopinta, en una vorágine que exita cada fragmento de este todo aparente. Derrite como los único pergaminos con caligrafías legibles de la alteridad divina, que están guardados en la canícula eterna del siempre nunca. Mientras sus orejas quieren tomar vida propia y hacerle el amor a los audífonos. En resumen una lindura-ajena-alterna.

Influencia directa de las bandas iniciadoras del RIO y más de sus coterraneos Etron Fou Leloublan. Se le ha inscrito como proto-RIO. Debería escucharlo sino lo han hecho: Otredad musical de alta costura.

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Soft Machine - BBC Radio Edit 1967 - 1971

Que decir de la Sof Machine. Quizás la banda más grande de la escena Canterbury y uno de los pilares del Jazz-Fusión. Esta es una recopilación de los en directo de esta banda en los estudios de la BBC con su alineación clásica : Wyatt (Batería), Ratledge (Teclados), Hooper (Bajo). El primer disco contiene algunas piezas de su etapa más psicodélica con el genio de Kevin Ayers.  Las demás del disco uno y dos son composiciones de la etapa entre el Third y el Fourth, etapa que se considera como la mejor de la banda. Trabajos suculentos más inclinados hacia el Avant - Jazz y la libre improvisación.

Para mí, no hay banda que lograra ese ambiente, frescura y tremenda sensibilidad a la hora de improvisar como esa alineación de la Soft Machine. Aparte esta el plus de que el sonido es claro como el agua, no como la grabación pristina del Third (que a veces suele ser molesta). Cabe destacar la última pieza del disco dos donde la Soft Machine se vuelve un septeto con la inclusión de Lyn Dobson, Marc Charig y Nick Evans, miembros de la banda del pianista Keith Tippet, quienes también aparecieron en el jazzero Lizard del King Crimson. No dejen pasar la oportunidad de escuchar a esta banda en su  mejor momento. ¡Cuánta energía, creatividad y virtusismo!

Transportistas liberen su mente y déjenla viajar con las vibraciones de la Soft Machine.

OÍDOS 1
OÍDOS 2

KTU - Quiver

KTU es otro proyecto del prolífico alumnado que paso por la escuela del Rey Carmesí. Esta banda esta compuesta por Trey Gunn, Pat Mastelotto y los finlandeses, Kimmo Pohjonen y Samuli Kosminen.

La música que nos enseña esta banda es una buena combinación de rock progresivo moderno con influencias folkloricas (supongo que finlandesas). Lo curioso de esta banda es que añaden un instrumento poco utilizado en la escena rockera, el acordeón, cortesía de Kimmo, y vaya que lo hace rockear. A esto añadenle la curiosa Warr Guitar que utiliza Gunn, la gran destreza, energía y precisión de Mastelotto en la batería y beats electrónicos y obtenemos un excelente álbum (2009).

Cada tema lo dotan de personalidad por lo que me parece no tiene desperdicio este disco. Mastelotto continúa con su experimentación en el kit electrónico como lo venía trabajando desde los ProjecKts. Trey Gunn explora las amplias fronteras que le brinda ese híbrido de instrumentos de cuerda. Kimmo nos abre los ojos a las posibilidades que puede brindar el acordeón a un ensamble de rock y a parte hace las voces, que parecieran de un ritual fúnebre de alguna tribu ancestral nórdica. Una amalgama de ingredientes peculiar que dan como resultado un peculiar guiso sónico.

Transporten sus sentidos y deleitense con estos nuevos sabores musicales.

Escalofríos

Pissuk Rachav - Eretz Hakodesh (2009)

Es un banda de rock en oposición Israelí. Este es su primer album, tierra sagrada, realizado en la disquera de John Zorn Tzadik. El estilo es muy ecléctico divagando entre la música arabe y el rock psicodélico. Las letras en hebreo entre la religión y la sexualidad. Con esta magnifica opera prima la banda desentraña la inconfundible tradición musical judía por los terrenos de la otredad, logran un disco heterogéneo y único dentro de la escena opositora hebrea. Su música no es tan compleja e intelectual como la de Ahvak, pues tiende a las estructuras más simples del RIO: canciones cortas en paralelo con el canto. No obstante la instrumentación no es para nada despreciable, tampoco es asequible; pretende sonar bien sin caer en lugares comunes. Entrelaza homogénea y con sutileza su tradición musical con los elementos modernos.

Y como artistas invitados tiene ni más ni menos que a John Zorn, Marc Ribot, Itamar Greenberg y Aviad Zigdon.

Shalom

Material - Hallucination Engine (1994)

Un gran disco; fusiona jazz, dub y música de la india. Por las filas de Material han pasado algunos de los más representativos exponentes del jazz. Mejor chéquense el line-up:

• Bill Laswell – basses, beats, loops, samples, etc.
• Wayne Shorter – soprano and tenor saxophones
• William S. Burroughs – voice ("Words of Advice")
• Liu Sola – voice ("Eternal Drift")
• Simon Shaheen – violin and oud
• Nicky Skopelitis – acoustic and electric 6- and 12- string guitars, coral electric sitar, baglama and Fairlight
• Bernie Worrell – electric piano, Hammond B-3 organ
• Bootsy Collins – space bass
• L. Shankar – electric violin
• Sly Dunbar – drum kit
• Jeff Bova – synthesizers
• Jihad Racy – ney
• Jonas Hellborg – acoustic bass guitar and fretless electric bass
• Zakir Hussain – tabla
• Trilok Gurtu – tabla
• Vikku Vinayakram – ghatam
• Fahim Dandan – voice ("The Hidden Garden")
• George Basil – qanoun
• Michael Baklouk – daff, tambourine
• Aïyb Dieng – chatan, congas, percussion

Y más aun quienes compusieron cada pieza:

1. "Black Light" (Bill Laswell, Wayne Shorter) – 7:33
2. "Mantra" [Doors of Perception Mix] (Laswell, L. Shankar, Caroline) – 8:44
3. "Ruins" [Submutation Dub] (Laswell) – 8:54
4. "Eternal Drift" (Laswell, Nicky Skopelitis) – 7:35
5. "Words of Advice" (Laswell, William S. Burroughs) – 3:58
6. "Cucumber Slumber" [Fluxus Mix] (Joe Zawinul, Alphonso Johnson) – 7:30
7. "The Hidden Garden" (Laswell, Simon Shaheen, Skopelitis) / "Naima" (John Coltrane) – 13:00
8. "Shadows of Paradise" (Laswell, L. Shankar, Skopelitis) – 9:45

Me parece que esto es más que suficiente para convencerlos del gran album que les traigo esta noche. Entre otras cosas, me llamó mucho la atención la participación de William Burroughs, quien nos da uno que otro hilarante consejo.

Sin más, los dejo.

Hallucination Engine

Green Carnation - Light of Day, Day of Darkness (2002)

No hay más que hacer más que escucharlo. No se puede encapsular toda su significación en una pequeña reseña como ésta. Es el segundo disco de la banda noruega Green Carnation, un engendro experimental liderado por el músico de black metal Tchort, antiguo integrante de la legendaria banda Emperor.

Sin embargo, lo que llama justamente la atención sobre esta obra es la alternancia y exquisitez musical con la que cuenta. Al querer trascender la crudeza y brutalidad de sus participaciones en Emperor y Carpathian Forest, Tchort decide embarcarse en un viaje espiritual y filosófico, cuya reflexión central ocupa la problemática principal del ser humano: la cuestión eterna de la vida y la muerte. A través de una sola canción de metal progresivo de un poco más de una hora es que Tchort nos expresa su visión vital, inspirada en ese entonces por el reciente nacimiento de su hijo.

Aunque el disco consiste principalmente de composiciones elegantes y progresivas, así como de voces limpias, no carece de pequeñas sorpresas espontáneas como voces guturales y riffs black metaleros al más puro estilo noruego, así como un lapso prolongado de tintes doomescos consistente únicamente en una voz femenina y un saxofón improvisando al mismo tiempo. En efecto, la obra abarca tantas expresiones, que resulta difícil poder describir en su entereza una odisea tan compleja.

Mejor los dejo con esta verdadera joya trascendental y dejaré que juzguen su profundidad por ustedes mismos.

Light of Day, Day of Darkness

Steve H...

La idea para esta entrada surge a partir de una coincidencia. Una buena cantidad de guitarristas tienen como nombre Steve. Steve Rothery (Marillion), Steve Lukather (Toto), Steve Morse (Dixie Dregs, Deep Purple), Steve Vai (Zappa, solista), Steve Stevens (Bozzio, Levin Stevens), por nombrar algunos que me vienen a la mente.


Por el título de la entrada podrán notar que hay una H siguiendo el nombre, piensen en estos tres nombres: Steve Howe, Steve Hackett y Steve Hillage. Si, este post será sobre el que para mi es el mejor disco de cada uno de esos tres guitarristas que con su inconfundible estilo marcaron época en la música progresiva.

El primero es el Beginnings (1975). Después de que Yes nos diera un par de discos que definieron el género progresivo, Relayer y Tales From Topographic Oceans, los integrantes decidieron separarse un tiempo para concentrarse en material que tenían preparado para lanzarlo como solista. Eran épocas donde estos genios escupían creatividad (Más adelante vistarán este espacio las obras de los otros integrantes de Yes, el primero ya esta, el Olias of Sunhillow de Jon Anderson).

Su ídolo, Chet Atkins, decía que cualquier buen guitarrista debería poder tocar cualquier género y estilo. Y este disco es prueba de que Howe podía tocar cualquier estilo con maestría, desde pasajes con su guitarra acústica, jazz, rock y música clásica. Colaboran en este disco algunos de sus compañeros de Yes como Bill Bruford, Alan White, Patrick Moraz, y el creador de la portada Roger Dean. Al igual que una orquesta de cámara para interpretar la joya de este disco, la pieza Beginnings. Lo único que hace flaquear este disco es el mismo Howe, que también hace las veces de cantante y francamente tiene una muy mala voz.


Les dejo un video de Howe tocando "Sketches in the Sun"  para que se animen:



En el principio...

Seguimos con Steve Hackett y su primer álbum solista Voyage of the Acolyte (1975). Este disco surgió a raíz de la poca participación que tuvieron las ideas de Hackett para el nuevo trabajo en ciernes de Genesis el Wind and Wuthering. Decidió retomarlas para lanzar un álbum bajo su nombre, el producto final fue este discazo. Participaron sus compañeros de Genesis Mike Ritherford y Phil Collins; al igual que la cantante Sally Oldfield y su hermano John Hackett entre otros músicos.

Grandes temas tiene este disco, que parece sigue una línea conceptual un poco vaga y en donde Hackett hace gala de su estilo para manipular la guitarra y nos muestra una faceta que poco le conocíamos por su trabajo en Genesis y posteriormente exploraría más: la guitarra acústica.


Un video de su célebre "Horizons":


Travesías a través de las cartas...

Por último este disco, Fish Rising (1975) y siguiendo con las coincidencias, mientras escribía esta entrada me di cuenta que los tres discos son de 1975. Ahora es el turno del mago hippie de la guitarra, Steve Hillage. Pilar de Gong durante algunos años y de varias bandas de la escena Canterbury. Este disco, al igual que el de Howe y Hackett, fue el primero que salió bajo su nombre. Participaron en este disco casi todos sus compañeros de Gong, excepto Daevid Allen y con la inclusión de Dave Stewart (Egg, Hatfield & the North, y un largo etcétera) en los teclados y de Lindsay Cooper (Henry Cow, Mike Oldfield) en instrumentos de viento.

Con este trabajo, Hillage sigue la línea musical que se venía manejando en Gong una onda hippy-rock con incursiones en el jazz, pasajes etéreos, e incluso influencias orientales. Hillage nos viaja a través de este disco con su tremenda cantidad de delays, efectos, wah-wahs y demás parafernalia sónico-psicodélica. Un disco que no deben dejar de disfrutar.

Un video de Hillage con su banda:

El ascenso del pescado...

Transpórtense al mundo gozoso que nos brindaron estos tres liras.

Shakti - Natural Elements

Shakti fue un grupo liderado por el virtuoso guitarra John McLaughlin. Tras disolver por un momento su eléctrica Mahavishnu Orchestra se enfoco en este proyecto a mediados de los setenta donde buscaba fusionar elementos de la música occidental con la música oriental, específicamente la hindú. Para esto se hizo acompañar de tres virtuosos músicos hindús, que ya lo oirán ustedes, su habilidad con sus instrumentos es increíble. Natural Elements (1977) es considerado el mejor disco de este ensamble, que fue de los pioneros en lograr esa mezcla que los expertos nombran como el world fusion.

Francamente no conozco absolutamente nada de música hindú, salvo algunas composiciones del que fue el gurú de los Beatles, Ravi Shankar. Sinceramente este disco es espectacular y sirve para abrir los oídos a nuevas formas, estructuras y sonidos musicales.

Transpórtense al mundo de las ragas, el trance, el sitar, las tablas y demás maravillas.

Explorar nuevos mundos...

Anekdoten - Nucleus

Anekdoten es otra banda de la nutrida escena progresiva sueca. Su música no niega la tremenda influencia que tiene el Rey Carmesí sobre sobre sus integrantes, sin embargo tienen su sello muy distinguible. Es en este, su segundo disco (1995), donde logran dotar a sus composiciones de más elementos propios para lograr desprenderse de sus raíces e influencias y encontrar un estilo propio. Ese estilo lo podría definir como bipolar, logran tener momentos de profusa calma y belleza sónica y de un momento a otro tener un desplante de agresividad sumamente cruda y violenta. Marejadas de mellotron, alta dosis de distorsión, momentos de suma tensión, letras paranoides, atmósferas dinámicas y más podrán encontrar en este excelente disco.

Transportistas, no teman transportarse a ese incomodo mundo neurótico del Nucleus.

Hacia la densura insana... 

La Manzana Cromatica Protoplasmatica - Titiriscopio (2010)

El segundo disco del grupo más original de la Argentina comienza con "Titiritero", uno de esos temas inclasificables que son su marca registrada: una orquestación deudora tanto de Frank Zappa, Hermeto Pascoal y del jazz de vaudeville como de los soundtracks de los dibujitos animados de la Warner.

A partir de allí, abordan un derrotero latinoamericano y lúdico, sensible y mágico, elástico y fantástico, en una atmósfera onírica con un imaginario que –por momentos– remite en su esencia (como conexión metafísica) a los cuentos de los hermanos Grimm, Hans Christian Andersen o del mismo Lewis Carroll. El Botis, juglar, compositor y puppet master de esta extraña y fascinante big band, crea un ambiente de compleja kermés musical: se sube a un carromato imaginario para montar allí performances cuasi teatrales, extemporáneas e hipnóticas. Hay canciones sencillas y arreglos sofisticados, que construyen un abanico de parentescos que va de la psicodelia progresiva de Gong a la melancolía de Lisandro Aristimuño.

Si no te gusta te regreso tu click

La Manzana Cromática Protoplasmática - El tren de la vía láctea. (2006)

El concepto gira alrededor de los cromáticos (habitantes del planeta Cromo), que viajan a través del Pórtico Cromático (sede etérea de la estación de la Vía Láctea) y dan lugar a un encuentro aquí en la Tierra.

12 especímenes argentinos autodenominados artistas (o visionarios del nuevo milenio) que desde el 2005 investigan la radiación de la música en un experimento que fusiona ritmos latinoamericanos, improvisaciones de freejazz, samples de dibujos animados y cortinas de series de los 80.

Asistir a su imaginería es prepararse para un Trip collage underground de ficciones inesperadas: simulacros de Philip Dick, inventivas de Bradbury, gags de Tom y Jerry, hasta volatilidades de Frank Zapa.

Sus influencias directas, según palabras de ellos mismos: Frank Zappa, Stravinsky, Spinetta, Tchaikovsky, Hermeto Pascoal, Debussy y Julio Cortazar.

Aquí un video del escritor hablando sobre música y jazz.

En definitiva un disco imprescindible, no es para nada difícil, es más, es una gozada escucharlo. En mi opinión, humilde e inexperta, es lo mejor proveniente del país de la pampa.

A un click de su propio manzano cromático protoplasmático.

Satanique Samba Trio - Misantropicalia (2004)

Ahora les traigo el primer disco de esta preternatural banda brasileña. En este disco se entiende porque llevan el nombre de satánicos. Este album es lo que escucharía un híbrido entre fred frith y Hermeto Pascoal, debido al mejor orgasmo de su vida cogiendo con Zeena Parkins, rodeados de una audiencia en una suerte de rito a la Aliester Crowley.

El disco es brillante, lleno de ideas descolocantes, incómodo más no inescuchable, abrasivo pero disfrutable. Música experimental anclada en las raíces.

Escribir de diferencias entre este y el segundo disco me resulta difícil, pues track a track hay muchas. Sin embargo me parece que se percibe evolución de este al siguiente disco, el segundo tiende a la tradicción avant-garde Zappiana; éste por momentos pretende crear atmósferas obscuras con ciertos atisbo de música de iglesia o gregoriana. Aunque no creo que lo podamos llamar a esta diferencia evolución, creo que es sólo eso, una diferencia, pero en fin, ya lo puse, y suena profesional, no lo quitaré; jódanse.

Satanique

Frank Zappa - Burnt Weeny Sandwich

Este álbum (1970) del maestro Zappa contiene canciones que fueron compuestas con los Mothers pero que se publico tras su separación. Tiene temas que van desde el doo-wop que tanto le gustaba a Zappa hasta temas de corte neocláscio, incluso los temas Igor´s Boogie 1 y 2 son en referencia a su compositor favorito, Igor Stravinsky. El disco es salpicado por tintes de jazz, jazz fusión y toda la carga de humor, elementos grotescos, disonancias y experimentación que se cargaba el maestro Zappa. Destaco el tema por el que vale la pena este disco, The Little House I Used To Live In. Este tema me era desconocido hasta que fui a ver en directo a su vástago, donde interpretó una muy buena versión de esta tremenda composición que me dejo pasmado de admiración. Contiene una linda introducción en piano del talentoso Ian Underwood tras la cual se desata toda clase de maravillas, incluido un excelente solo de violín cortesía de Don Sugarcane Harris. ¡Brillante!

Aquí la alineación:
- Frank Zappa / organ, guitar, arranger, composer, keyboards, vocals, producer
- Don Preston / bass, piano, keyboards 
- Jimmy Carl Black / percussion, drums
- Lowell George / guitar 
- Roy Estrada / bass, vocals
- Gabby Furggy / vocals
- Bunk Gardner / horn, wind
- Don "Sugarcane" Harris / violin, vocals 
- Jim Sherwood / guitar, vocals, wind
- Art Tripp / drums 
- Ian Underwood / guitar, piano, keyboards, wind

Juzguen por ustedes mismos, estimados transportistas, este gran disco del Maestro.

A darle con la salchicha...

Satanique Samba Trio - Sangrou (2007)

Con este disco hay que tener un poco de cuidado, pues hay laberintos estructurales escabrosos en exceso; recuerdan a Naked City. Hay en este disco más: disuelve el bajo lírico que recuerda a Itebere Orquestra Familia a los límites del jamming (no siempre), con una destreza por demás genial. Esto acompañado con trompeta que juguetea entre solos y diálogos inteligiblemente intencionados con toda la banda. La guitarra juega un papel igual, trascendente...

Hay ciertos pasajes esclarecedores de la influencia de la tradición brasileña, perfectamente entrelazados en esta construcción tan curiosa, que no me deja más que una sensación de placer, (literal) entre una tenue sombra de zozobra. Te lleva de lo absurdo a lo sublime en unos cuantos segundos.

También usan un instrumento que es el antecesor del ukelele, el cavaquinho; con el que hacen ritmos muy interesantes... Bueno, hay mucha experimentación y no creo que basten mis palabras en absoluto. Aquí otra reseña: En su segunda entrega, el trío (que no es trío sino cuarteto) satánico brasileño da preponderancia a la guitarra en su expresión más discordante, acompañada de ritmos quebrados que asemejan algún ritmo afro-brasileño pasado por el tamiz de un mal viaje de LSD.

Aquí hay montones de ideas vomitadas en el tiempo más corto posible y para las cuales tendría que abusar de figuras retóricas para darles una idea del caos sonoro al que estamos expuestos. Usaré la imagen más simple posible. Marc Ribot tocando samba con una banda que emula tanto a Naked City como a The Shape of Jazz to Come en clave Antonio Carlos Jobim.

Un paso adelante para la banda. Hermosa portada además.

Sólo quitaría la palabra vomito. Por cierto, reposen su mirada en la portada, que tiene algo de surrealista, es una imagen aparentemente sin sentido, pero, la mirada, la imagen, lubricadas por el tiempo dimensionan la imagen. No sé... es como si siguiera el mismo principio de composición que la música.

El mejor track del disco es Diabolyn, particularmente los primeros dos segundos y del minuto 4:40 o 4:39 hasta el final, o al minuto 7:03 . De alguna forma seduce, cosquillea las neuronas trazadas por los laberínticos tentáculos de luz constituida por música.

Me parece que tienen ligera influencia de Magma y Art Zoyd...

Una obra maestra del avant-garde.

Santanique Samba Trio

Slapp Happy y Henry Cow - Desperate Straights e In Praise Of Learning

 Slapp Happy un grupo que tocaba lo que denominaban nostalgia - pop un tanto retorcido y los padres del R.I.O., Henry Cow decidieron colaborar a mediados de los setenta. Producto de esa combustión fue un par de álbumes bastante buenos. Si bien en sonido y la manera de acercarse a la música son un tanto disimiles, su ideología subversiva y socialista era donde coincidían.

El primer disco que fue publicado de esa colaboración (1975) fue el Desperate Straights. La mayor parte del contenido corría a cargo de Slapp Happy, principalmente de Peter Blegvad, un geniecillo (vale la pena que chequen de cerca las letras que escribe). Los integrantes de Henry Cow simplemente participaron como una banda de acompañamiento. Vale la pena que pongan atención lo que hace Chris Cutler en la batería y percusiones. A primera escucha parece un disco un tanto sencillo y agradable, sin embargo poco a poco se van descubriendo los complicados y extraordinarios arreglos y la virtuosa interpretación que estos músicos nos ofrecen.

No desesperen...

El segundo capítulo de esta colaboración es el In Praise Of Learning (1975). A diferencia del primer disco, ahora la mayor parte del material corrió a cargo de los integrantes de Henry Cow. Con eso en mente podemos este es un disco bastante más complicado que el Desperate Straights. Empieza con un tremendo tema, War, que bien podría ser el sencillo por excelencia del R.I.O, tremendamente melodioso sin embargo complicado, experimental y arriesgado, todo en menos de 3 minutos. Y si el primer tema es el sencillo del R.I.O., Living In The Heart Of The Beast, el segundo tema debe ser el Close To The Edge del R.I.O. 15 minutos de pura intensidad subversiva, francamente este track, por su letra, debería estar prohibido en cualquier país capitalista. El final estilo marcha hace que la piel se me erize. El resto de los temas son buenos, pero se basan más en improvisaciones que generan un ambiente increíblemente tenso.

Así que estimados transportistas, éntrenle a esta fabulosa colaboración.

¡Guerra!